ACERCA DEL PROCESO

Siempre me he identificado y coleccionado objetos que tienen un valor material inherente, distinto y más interesante que su función asignada. Utilizo la fotografía para revelar cómo veo aparecer esta relación poco a poco.

Mi objetivo al entrar en esta residencia era entender cómo como artista, podría diversificarme hacia la creación de obras basadas más en el objeto a través de la exploración de la tensión de una materialidad física y visceral en el acto de mirar.

¿Por qué decidiste colocar todos sus objetos en el lado izquierdo del estudio?
Elegí ese estudio particular debido al tragaluz en el fondo de la galería y naturalmente gravité hacia esa parte de la sala mientras estaba trabajando. Quería que las fotografías fueran cálidamente bañadas por la luz y que el espejo de bronce fuera el centro reflectante de todo.

La otra razón es que quería cambiar la experiencia de la galería para el espectador. A menudo la gente entra en un espacio y pasa unos segundos «leyendo» una pieza — rápidamente tomando decisiones de si les interesa o no y lo que podría ser el significado antes de continuar. Parece un poco irreflexivo del pensamiento, la energía y el esfuerzo que tomaron realizar la obra.

En la instalación de Blue/Black, organicé las fotografías para que la velocidad no fuera un factor perjudicial en la comprensión del espectador de las imágenes. Pienso en ellas como si fueran el punto de partida de la siguiente, acumulando un tono, similar a cómo alguien podría caminar hasta un piano y arrastrar su mano hacia arriba y abajo de las teclas. El piano hace un sonido, independientemente de la dirección. Ambos son completos y satisfactorios.

¿Cómo se relaciona la necesidad de crear un cambio en la experiencia del espectador a tus fotografías?
En mi formación fotográfica, me enseñaron muy temprano que el valor de una fotografía está en su capacidad para captar el «momento decisivo» — la idea histórica que una fotografía puede capturar un momento o instante. Con el tiempo, me he dado cuenta de que quiero que mi trabajo actúe como lo opuesto a esta idea. Quiero que mis fotografías sean más como una experiencia visual lenta y reflexiva.

¿Nos podrías hablar acerca de los materiales hacia los que gravitaste en la exhibición? Latón y cuero, por ejemplo.
En muchas de estas fotografías, estoy experimentando en el juego entre la absorción y la reflexión — efectos que ocurren en y sobre la superficie de los materiales y objetos, que es también como la película reacciona a la luz para crear una imagen. En la imagen del cuello del caballo, llamado Azul/Negro, el pelaje refleja y absorbe el sol a la vez, haciendo el negro tan negro que parece azul. Corté a mano el paspartú de cuero que rodea la imagen y lo teñí de azul unas 15 veces, le di terminado con una capa ligera de color negro. El paspartú de cuero, como el cuello del caballo, puede aparecer de uno u otro color dependiendo de la luz que reciba. El cuero retrata una tensión con la que a menudo juego en mi obra: cuando se asocia con los caballos es hermoso y un poco grotesco.

La pieza de latón, Cowboy Chrome (Cromo vaquero), se posa en el punto crucial de la instalación, directamente debajo del tragaluz. Nunca había trabajado con latón antes así que se convirtió en un experimento para mí. El latón está pulido a mano y por lo tanto, tiene una superficie irregular. Esto afecta lo que sea que pase por su superficie, a veces se ve perfectamente reflejado en el espejo o ligeramente absorbido en su superficie y el material mismo.

Como una amante de los caballos de toda la vida, para mí el cuero siempre ha estado estrechamente relacionado con los caballos. Me encanta el olor, el sonido y cómo cambia y se vuelve más hermoso con la edad. Siempre he querido incorporarlo a mi obra.

¿Cómo se conecta el uso del cuero a tus fotografías?
Una vez que me di cuenta de que mi trabajo es más receptivo en lugar de ser una imagen legible y digerible, comencé a pensar en fotogramas. Mi descubrimiento del uso del cuero como un fotograma vino de ver una imagen en Instagram de una bolsa de cuero cuya etiqueta había sido accidentalmente impresa con el sol en la superficie. Esto cambió mi forma de pensar acerca de la importancia de la permanencia de una imagen — se volvió emocionante que la imagen se transformara y cambiara con la vida del cuero.

Quise replicar este proceso para explorar la creación de imágenes menos descriptivas. Debido a la naturaleza siempre cambiante del cuero, encontré que trabajar con esta imagen pasajera es tanto emocionante como aterrador. Fue como la máxima liberación del «instante» de la fotografía. Sentí un paralelismo entre el estiramiento del tiempo, el cambio del objeto y el reflejo obligado en lo que respecta a trabajar con cuero a cómo planteo la lenta reflexión considerada central a mi práctica fotográfica.

¿Por qué elegiste incluir los asientos de trípode en tu espacio?
Tengo un asiento trípode de cuero en mi casa que es un objeto con el que vivo a diario. Se transforma fácilmente de un objeto de interés a algo más funcional y luego de regreso otra vez — lo uso como un asiento al tomar fotografías cerca del suelo. Como un objeto, también tiene una historia almacenada a medida que el cuero sigue cambiando con el tiempo.

Los asientos son físicamente muy intensos de hacer. Los materiales están montados de manera que el espectador pueda fácilmente entender y su aspecto también cambia con el tiempo con el uso y desgaste. Yo quería algo en el espacio que interrumpiera al espectador de sólo mirar las fotografías y que considerara una exploración similar arraigada en dimensionalidad.