Cosmologias

Regina Vater

Exposición: Jun 10 – Jul 18, 1999


Un panteísmo idiosincrásico, una multiplicidad de dioses y estilos, dirige la producción del arte de Regina Vater. La mano chamánica que guía su práctica tiene un brazo largo que atraviesa nacionalidades y siglos, lenguajes y estrategias artísticas, con especial énfasis en su Brasil natal. Con una especie de espiritualismo barroco ungido para bendecir y unificar entidades culturales diversas, su obra sintetiza diosas de Egipto con las de Grecia, Malévich con la Virgen y Poesía concreta con el catolicismo romano. De manera similar, se siente tan cómoda trabajando con los poderes electrónicos del neón y el video como con las fuerzas naturales de las rocas encontradas, conchas marinas, miel, palomitas de maíz y otros artefactos de la naturaleza.

Su enfoque pluralista, que busca sintetizar materiales e ideas que de otro modo serían diversos, se estructura según la intuición poética. De hecho, la literatura y la poesía juegan un papel importante en el proceso artístico de Vater. Cosmologies , su exposición de obra nueva en ArtPace, se abre con una cita de la poeta Cecilia Meireles, parecida a una oración, que expresa el objetivo estético de Vater hacia la unificación con la naturaleza divina:

Se habla con los hombres, con los santos,

con uno mismo, con Dios … Y nadie

entiende lo que se le dice

ya quien.

Pero la tierra y el sol, las lunas y las estrellas

gira de tal manera, tan bien

que se desalienta de quejas.

Amén.

Principalmente escultórica e inspirada en diversas fuentes tomadas de la literatura mundial, la instalación de Cosmologies de Vater está unificada por un llamamiento esperanzador a los misterios del universo, especialmente personificado en las vidas y mitologías de diosas. Aunque muy influenciado por la estética secular del Modernismo, las obras están imbuidas de un espiritualismo que persuade la materialidad de sus formas en un lugar de ritual contemplativo, incluso de oración.

Amon / Amén u Oxalá Que Dê Bom Tempo # 3 es una delicada cascada circular de palomitas de maíz suspendida de y alrededor de una ventana en el techo que mira hacia el cielo, los granos individuales ensartados en alambre de pescar como cuentas en un collar (y anclado, como una línea de lanzamiento, con pesos pequeños). El maíz colgante, uno de los principales cultivos alimentarios autóctonos de América, es como una lluvia de maná. “Amén”, la réplica judeocristiana por el acuerdo y la verdad, tiene su origen etimológico en el nombre de un dios del panteón egipcio, mientras que el portugués parte del título de la obra, Oxalá Que Dê Bom Tempo (Deseo buenos momentos o buen tiempo), sitúa la escultura como un llamado a la abundancia y como una expresión de agradecimiento.

En la galería central, en el piso justo enfrente de Amon / Amén , el artista colocó una pequeña vasija de arroz puntuada por varillas de incienso encendidas (luego retirado de la instalación después de la apertura). Quizás el gesto más explícitamente religioso en la instalación de Cosmologies, este «alimento para los dioses» proporciona el código significante central para interpretar las otras obras más importantes de la exposición.

Inscrutable es un homenaje a la diosa Oshum, quien gobierna las aguas, trae riqueza y compasión y por la noche toma una espada tras la gente poco ética. Una alfombra de red dorada se coloca en el suelo como una alfombra de oración; encima de él, el artista ha colocado un soporte con espejos que sostiene un recipiente lleno de miel apuñalado con un largo machete. La diosa del mar Janaína es honrada en la obra de Vater del mismo nombre, donde una piedra colocada en el centro de una pequeña mesa actúa como pedestal de una gran concha adornada con conchas marinas más pequeñas, estrellas de mar secas y guijarros de vidrio transparente. El cuadro está enmarcado con una luz de neón biomórfica que parece un halo. El uso del neón como aura simbólica también aparece en Oxumaré o La Dama de la Esperanza , una torre de objetos encontrados ensamblados, cuya base de cajonera contiene cartas de los compatriotas intelectuales y espirituales de la artista en Brasil, una cosificación de la base personal y artística de la artista en su cultura natal. Una columna que se extiende hacia arriba desde el cofre de madera sostiene dos rocas (encontradas por el artista en Austin), que cobijan y protegen una pequeña estatua de la Virgen Negra que se enfrenta a la pared, ocultando a La Dama de la vista inmediata. En Sophia , el artista también construye una torre al cielo, esta de plexiglás llena de cabello humano y rematada con un montículo de turquesas. Para Vater, todos los materiales naturales y culturales están imbuidos de aspectos tanto simbólicos como materiales.

En la pieza más ambiciosa presentada en Cosmologies , el artista ofrece al espectador el reflejo de la luna. Titulado como juego de palabras y como referencia a la diosa Artemisa, El Teatro De la Luna o ARTéMIS a No uS combina la tradición cultural del teatro con la sugerencia de que la naturaleza, igualmente, se compone de escenas, puestas en escena y actos organizados. Las cortinas negras que recubren las tres paredes de este ‘conjunto’ encierran una gran roca asentada sobre un suelo de mantillo azul cobalto oscuro, que simula un entorno natural. La pieza central de la obra, el canto rodado, actúa como un altar de sacrificio y una mesa de alimentación. Un pequeño charco de agua descansa en el centro de una amplia grieta en la superficie de la roca, en la que se invita al espectador a captar el reflejo de la luna (cuya imagen el artista ha capturado en un monitor de video en el techo).

Para Vater, la naturaleza y la cultura se refuerzan mutuamente en un diálogo continuo de juego fortuito entre la intervención divina y la manifestación cultural. Ella es como una viajera en un viaje por el mundo, trazando un mapa de los momentos cósmicos, ya sean liberados por dioses antiguos, tomando la forma de inspiración divina, o construidos por manos humanas en nombre de la poesía, la vida y el arte.

-Laura Cottingham

Laura Cottingham es una crítica de arte que vive en la ciudad de Nueva York.

Artista

Regina Vater

Austin, Texas, USA

Regina Vater was born in 1943 in Rio de Janeiro, Brazil and studied architecture at the Universidade Federal do Rio de Janeiro, Brazil. Currently, she lives and works in Austin, TX. Since the 1960s, Vater has exhibited her work widely throughout Brazil and the U.S., including solo exhibitions at the Museum of Modern Art, Rio de Janiero, Brazil; the Museum of Brazilian Art, Sao Paulo; Pinacoteca do Estado, Sao Paulo, Brazil; the Jack S. Blanton Museum of Art (formerly the Huntington Art Gallery) at The University of Texas at Austin; Donnell Library, New York; Southeast Museum of Photography, Daytona Beach, FL; Mexic-Arte, Austin, TX; and Women and Their Work, Austin, TX. She has participated in a large number of group exhibitions, including shows at the Studio Museum in Harlem, New York; San Diego Museum of Art, CA; The Clocktower Gallery/P.S. 1, New York; Maryland Institute College of Art, Baltimore; National Museum of Women in the Arts, Washington, DC; and the National Royal Museum, Antwerp, Belgium. Her work has been included in international festivals and biennials, notably the 1988 Texas Triennial; the 1981 Sao Paulo Biennial, Brazil; the 1976 Venice Biennale, Italy; and the 1967 Paris Biennial, France.
Metaphysics and the cultural traditions of her Brazilian roots have been the primary subjects of Regina Vater’s long career. Since the 1970s, Vater has produced a wide range of installation art, drawing inspiration from mythological themes related to indigenous and Yoruba Brazil, especially with regard to notions of time. Her explorations of sacred and ritualistic practices merge with her personal and social histories in works that incorporate visual poetry, found objects and media to convey a universal sense of healing. Vater’s contributions to and investigations of Brazilian culture have been significant and widely recognized.

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Curadores

Amada Cruz

Los Angeles, CA
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Kellie Jones

New York, NY
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Nancy Rubins

Topanga, California, USA

Born in 1952 in Naples, Texas, Californian Nancy Rubins received her MFA from the University of California, Davis. She has had numerous solo exhibitions, including shows at Paul Kasmin Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and the Venice Biennale Aperto. Rubins’ work was included in the 1995 Whitney Biennial and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles’ Helter Skelter exhibit in 1992. Rubins teaches at the University of California, Los Angeles’ Art Department. She has received grants from the Rockefeller Foundation, the Tiffany Foundation, and the National Endowment for the Arts.

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Annette DiMeo Carlozzi

Austin, TX

Independent curator Annette DiMeo Carlozzi has built an expansive practice across the US as a curator of modern and contemporary art, focusing on ideas and experiences, artists and audiences. Raised in Boston and trained at the Walker Art Center, she has served in a variety of foundational roles: as the first curator at Laguna Gloria Art Museum (now The Contemporary Austin); executive director of the Aspen Art Museum and the Contemporary Arts Center, New Orleans; Visual Arts Producer for the 1996 Olympic Games in Atlanta; and in multiple positions—ranging from founding modern and contemporary curator to Deputy Director for Art and Programs to Curator at Large—at the Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin. Committed to expanding the canon, she has created notable exhibitions (Luis Jiménez, Paul Chan, Michael Smith, Deborah Hay, Negotiating Small TruthsAmerica/AmericasDesire), produced important commissions (Nancy Holt, Siah Armajani, Betye Saar, Vito Acconci, Byron Kim, Teresita Fernández), and acquired major works by a wide range of international artists. Carlozzi has had a long relationship with Artpace, having served as an early advisor, artist interviewer, and program panelist, member of the 1998 artist selection panel and 2001–03 Board of Visitors. In 2015 she curated Immersed from Linda Pace’s art collection, now called Ruby City.

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Dan Cameron

Newport Beach, California

From 2012 to 2015 he was Chief Curator at the Orange County Museum of Art in Newport Beach, California. In 2006, Dan Cameron founded the Biennial Prospect New Orleans, where he worked at until 2011. From 1995 to 2005 he was Senior Curator at the New Museum, New York, where he developed numerous group exhibitions, such as East Village USA and Living inside the Grid, and several individual shows dedicated to the artists Martin Wong, William Kentridge, Carolee Schneemann, Carroll Dunham, Doris Salcedo, José Antonio Hernández Diez, among others.
As independent curator he has organized many exhibitions that brought him international attention, such as El arte y su doble (Fundación Caixa, Madrid, 1987); El jardín salvaje (Fundación Caixa, Barcelona, 1991); Cocido y crudo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1995), among many others. In 2003, he was the Artistic Director of the 8th Istanbul Biennial, and in 2006, Co-curator of the 5th Taipei Biennial.
He has published hundreds of texts in books, catalogues and magazines, and has given numerous talks and conferences at museums and universities around the world, also carrying out an important teaching activity in New York.

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Hans Ulrich Obrist

London, England

Hans Ulrich-Obrist is the Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of International Projects at the Serpentine Gallery in London, positions created for Ulrich-Obrist in April 2006. As a curator at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France since 2000, among many other exhibitions he organized solo shows with Jonas Mekas (2003), Anri Sala (2004), and Cerith Wyn Evans (2006). Before this position Ulrich-Obrist was an independent curator for a decade, organizing the group show Take Me I’m Yours at the Serpentine (1995) and Retrace Your Steps: Remember at the John Soane Museum (1999), also in London, England. Ulrich-Obrist was a panelist in 1998 for the 1999-2000 year of artists, and was invited to be a speaker at the 2003 symposium, but was unable to come due to illness.
Photo by Dominik Gigler

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