Quarter, 1995Roberta Barnes Photography22 1/4 x 22 1/4 inches22 1/4 x 22 1/4 inchesOil and pigmentRoberta Barnes Photography
Lay, 1995Roberta Barnes Photoraphy29 3/4 x 22 1/4 inches29 3/4 x 22 1/4 inchesOil and pigmentRoberta Barnes Photoraphy
Way, 1995Roberta Barnes Photography29 3/4 x 22 1/4 inches29 3/4 x 22 1/4 inchesCharcoalRoberta Barnes Photography
Flesh, 1995Roberta Barnes Photography29 3/4 x 22 1/4 inches29 3/4 x 22 1/4 inchesWatermelonRoberta Barnes Photography
Weight & Distance, 1995Roberta Barnes Photography29 3/4 x 22 1/4 inches29 3/4 x 22 1/4 inchesPigment and charcoalRoberta Barnes Photography
Heat, 1995Roberta Barnes Photography02629 3/4 x 22 1/4 inchesLouisiana sauceRoberta Barnes Photography
Una entrevista con Antony Gormley por Annette DiMeo Carlozzi
ADC: Antony, cuéntame sobre el período de tiempo que pasaste el invierno pasado en ArtPace en San Antonio. ¿Qué esperaba que saliera de ese período de tiempo de varias semanas y qué, de hecho, sucedió?
AG: Bueno, para mí fue una oportunidad maravillosa estar lejos con la familia y concentrarme en trabajar de manera libre pero enfocada en el dibujo. Siempre he hecho dibujos, pero últimamente se han convertido en algo que hago durante las vacaciones, que es la única vez que me alejo de la escultura.
ADC: ¿Esperaba responder de alguna manera en particular al medio ambiente de San Antonio y el centro de Texas?
AG: Uno sabe en San Antonio, como en otros lugares de Texas, que hay mucho cielo y mucha distancia, pero sentí con San Antonio que de alguna manera la relación del río, el ferrocarril y la carretera eran muy importantes. regalo. Recuerdo una noche sentada en el techo de ArtPace, y había un frente de clima que cruzaba la ciudad con increíbles tormentas eléctricas al este y un cielo despejado al oeste en el que el sol se estaba poniendo. Y luego, a través de eso, bandadas de pájaros negros; y había algo en ese momento que parece peculiar de Texas, que se encuentra en el punto de encuentro de los sistemas meteorológicos del Atlántico y el Pacífico. Texas también es un lugar de encuentro de cargamentos y migraciones provenientes de todas las direcciones. Esa idea de transmisión, y también la planitud, la apertura y la presencia del cielo, está de alguna manera en los dibujos.
ADC: ¿Su trabajo a menudo se inspira en el paisaje?
AG: Sí, lo hace. Quizás no de una manera muy directa, pero creo que siempre hay un sentido en el que el cuerpo se relaciona con un lugar, y el lugar te dice cosas sobre tu cuerpo que quizás no sabías antes. Durante la residencia, salí a Enchanted Rock y uno o dos otros lugares periféricos, y tuve una idea de la sequedad y de lo que estaba hecha la tierra. Creo que sientes estas cosas corporalmente y eso se refleja en el trabajo de una forma u otra.
ADC: Los dibujos que completó mientras estaba en ArtPace son sorprendentes por muchas razones, una de las cuales es la elección de los materiales. ¿Puedes hablar un poco sobre eso?
AG: Sí. Para mí, dibujar no se trata de hacer dibujos, se trata de probar ideas y probar materiales también.
En ArtPace, utilicé un papel hecho a mano, bastante grueso, diseñado para grabar. Para mí, el proceso de desarrollar una imagen en el dibujo es que usted puede tener una forma conceptual, pero luego la prueba en relación con cómo un material o una sustancia se relacionará con el papel. Para mí es muy importante que a través de la serie de doce dibujos tengas sustancias que se asientan completamente en la superficie del papel, como el melón, algunas que se absorben dentro del cuerpo del papel (el aceite), y otras que sentarse entre las fibras del papel (el carbón). La relación de la sustancia con la superficie encaja con las ideas de significado y contenido iconográfico. Creo que hay tensión, espero que haya tensión. Juntos, establecen una especie de malla en la que ciertos pensamientos y sentimientos pueden ser atrapados o retenidos.
Uno de los principios subyacentes del trabajo es que, en cierto sentido, la conciencia no se limita al cuerpo humano. La idea de hacer una conexión entre lo material y lo mental forma parte de estos dibujos tanto como intimar una idea de la distancia, que creo que es característica de la experiencia del centro de América.
ADC: ¿Espera que los dibujos creen o evoquen una experiencia o comprensión íntima?
AG: Soy consciente de que los dibujos, por ser directos, son más accesibles. Están revelando el carácter de la persona que los hizo. Sin embargo, estoy trabajando para no hacerlos simplemente virtuosos.
Estos doce dibujos llegaron a encontrarse como una secuencia, no es que crea que tengan que leerse en un orden en particular, pero se informan entre sí. Por ejemplo, si miramos Room , describe en lenguaje arquitectónico el espacio mínimo necesario para que lo ocupe una persona. Source, que se elabora a partir de una salsa picante local, identifica un espacio completamente fluido que podría concebirse como una vagina o un útero o un devenir en el que nada está fijo. Lay está tratando de hablar sobre la sedimentación, la idea de lo que hay debajo de la superficie del mundo visible. (Creo que los títulos de todos los dibujos son bastante importantes y actúan como una especie de clave para la comprensión).
Se podría decir que en Bridge , tomé esa idea de una capa y la convertí en un horizonte, y en lugar de hablar de relaciones entre arriba y abajo, ahora estoy hablando de relaciones entre aquí y allá. En términos generales, podría caracterizar todo el proyecto como un intento de socavar el pensamiento dualista, la idea de que aquí es parte de allí, en estar en todas partes, una idea de hacer que la distancia sea íntima, reconociendo que las nociones de identidad y lugar pueden definirse mediante ideas. de horizontes …
Supongo que desarrollé la forma del espacio hace unos diez años, usando la forma del cuerpo humano para hablar de extensión. De alguna manera la cruz, con sus asociaciones occidentales y también antiguas, está inscrita dentro de la sintaxis del cuerpo. Se podría decir que esto es clave para todo el conjunto de dibujos, en la medida en que sugiere tanto horizonte como camino.
Flesh es un intento de remodelar toda la serie en el aquí y ahora: ¿qué es una rodaja de sandía? Es una prueba, pero soy consciente de sus connotaciones sexuales y del hecho de que existe una conexión entre esta reliquia celular de celulosa y nuestros cuerpos. El último dibujo, Quarter , trata sobre la geografía y la relación con el territorio o cómo se posee un espacio que creo que puede ser peculiarmente americano. Uno es consciente, cuando sobrevuela América, la forma en que se ha impuesto la cuadrícula en la superficie. Si el primer dibujo, Room , trataba de identificar en elevación la idea del menor espacio posible necesario para que lo ocupe un hombre, Quarter trata de manera más amplia la forma en que la mente humana ha elegido articular la superficie de este planeta, volviéndola en territorio. Y eso tiene limitaciones.
ADC: Claramente, los dibujos ponen de manifiesto todo un catálogo de preocupaciones que uno considera cuando se encuentra con su escultura, pero en una forma física tan completamente diferente.
AG: Sí, soy muy consciente de que el cuerpo está ausente, pero mi ambición es que los dibujos describan los límites de un espacio físico que luego pueda ser utilizado por el espectador para probar límites conceptuales de todo tipo. El cuerpo del espectador es en cierto modo el sujeto ausente de los dibujos. Pero no quiero imponer mi interpretación. Baste decir que la obra es un intento de orientar el cuerpo en el espacio.
ADC: Y, sin embargo, podría esperar que un cierto número de espectadores en San Antonio respondan al trabajo desde una perspectiva completamente diferente, de hecho, lo verán como extremadamente ingenioso.
AG: Creo que los dibujos son un tipo de juego serio y espero que también se disfruten con ese espíritu.
ADC: Entonces, solo para que conste, ¿qué tipo de salsa picante usaste?
AG: Bueno, era una salsa de Luisiana, pero no recuerdo la marca. Lo elegí por completo en función del color y compré el suministro en varias tiendas. Ahora, lo mejor de la salsa es que nunca antes había usado una botella …
ADC: ¿Como el implemento?
AG: Sí, era muy eyaculador la forma en que podías agitarlo y salía a borbotones y trazaba una trayectoria en el aire antes de convertirse en pintura y eso fue muy agradable. En el mejor trabajo de la figura, Heat , que es una evolución de Source , se manifiesta como un encuentro de dos viscosidades. Pero al mismo tiempo es un poco como alguien visto a través de una bruma de calor, caminando hacia ti o alejándose de ti. Es un poco como un spaghetti western, supongo …
ADC: Muy cinematográfico …
AG:… Un cuerpo caminando hacia ti con un sol poniéndose detrás de él, de modo que lo estás viendo a través de la curvatura de la luz que se mueve a través de las cortinas de calor de Texas…
ADC: Buena nota para terminar.
