grueso

Jennifer Ling Datchuk

En residencia: Ene 23 – Mar 25, 2019

Exposición: Mar 21 – May 20, 2019


¿Qué quisieras que se llevaran quienes visiten tu exposición?

La cortina o muro de cabello rojo falso divide el espacio, y las obras en ambos lados de esta barrera física se refieren a diferentes estructuras de poder de las cuales somos cómplices o facilitadores, que son sistemáticas, parecen invisibles, y otras que podemos retomar. La cortina es una metáfora para los umbrales que cruzamos a diario en nuestras vidas. Algunos ejemplos emotivos relevantes a mi exposición son el rito de paso de ser niña a ser mujer; una mujer entrando en espacios dominados por hombres, y una persona de color entrando a espacios blancos y preguntándose cosas como “¿realmente pertenezco aquí?”, o “¿me dejarán entrar?”

Cada lado de la cortina desafía la representación femenina– todo hace referencia a las expectativas que se tienen de las mujeres, desde ser finas y delicadas como una taza de porcelana blanca hasta el ser percibidas como coléricas y chillonas en nuestros intentos de navegar áreas problemáticas con éxito y poder. Me frustra el hecho de que no hayamos superado más como mujeres. Estos objetos demuestran que estamos activamente reclamando ideas y espacios, y al mismo tiempo reflejan que todavía tenemos mucho trabajo qué hacer.

Los materiales parecen ser fundamentales para tu trabajo. ¿Por qué usas los materiales que usas?

Algo muy importante para mí es mi formación como fabricante de objetos. La cerámica y la historia de la porcelana son centrales para mi trabajo. Fue descubierta en China hace más de 2,000 años, y codiciada por todo el mundo por su blanqueza y pureza. Este deseo de lo blanco es algo que exploro como material deseable, exotizado por el Occidente, y como cultura racial privilegiada. A menudo uso el cabello, real o falso, porque estos delicados filamentos tienen el poder de identificarnos al mundo, pero también perpetúan estereotipos basados en su corte, color, y condición.

Mi práctica está enraizada en los fundamentos de la artesanía. Actualmente, estoy inspirada por las cortinas de cuentas de los hippies, el macramé, y los movimientos proderechos de la mujer de los ’70s. En esa época, los textiles y la alfarería se consideraban manualidades femeninas y no arte, sino más bien hobbies que se aprendían en centros comunitarios, iglesias y programas extracurriculares. Suelo pensar en cómo estos conocimientos eran transmitidos a las mujeres para mantener sus manos ocupadas y mantener nuestras voces en espacios domésticos en vez de espacios públicos. Quiero deconstruir las jerarquías establecidas de materiales y abogar por lo hecho a mano.

¿Cómo describirías tu práctica?

Trabajo multidisciplinariamente con objetos de porcelana hechos a mano o encontrados, instalaciones, performance, y fotografía. Recibo influencia e inspiración de las historias y migración global de la porcelana, los patrones azules y blancos, la belleza, y la cultura popular para examinar y criticar ideas de identidad, raza y género. Recopilo información sobre objetos desde colecciones de museos, tiendas de segunda mano, y mercados de antigüedades hasta los hashtags en medios sociales e íconos femeninos como RGB (Ruth Bader Ginsburg), Beyoncé y Cardi B, y girl culture (cultura femenina). Como una third culture kid (niña de la tercera cultura), conocer y platicar con personas que crecieron siendo birraciales se convirtió en una parte importante de mi práctica. Ser diferente conlleva mucha vergüenza y aislamiento, ser demasiado de esto y muy poco de lo otro, aún en la propia familia de uno. Se trata de contar historias, las migraciones de la identidad, la representación del otro y la reconstrucción de identidades.

Agradecimientos

Lané Pittard
Phung Huynh
Audrey LeGalley y Michael Foerster
Frances Baca y Daryan Arcos
Jennifer Hwa Dobbertin
Lizzy Gladstone de Sun Nation
Leo Barrios Furniture
Jake Harper de Zollie Glass
Kaitlyn Rex de Glaze Nail Lounge
Anthony Rundblade, Charlie Kitchen, Riley Robinson y todos en Artpace
Southwest School of Art
Junior de Eureka Sheet Metal
Gary Nichols y Hare and Hound Press
Sama y Roshini
Dr. Deborah Willis

y a todos los que enfiaron afirmaciones y escribieron palabras de aliento en las cuentas

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Artista

Jennifer Ling Datchuk

San Antonio, Texas, USA

Jennifer Ling Datchuk is a ceramic sculptor and artist born in Warren, Ohio and raised in Brooklyn, New York. Her mother came to this country in the early 1970s from China; her father born and raised in Ohio to Russian and Irish immigrant parents. Beyond initial appearances, the layers of her parents’ past and present histories are extremely overwhelming and complicated – a history of conflict she has inherited and a perpetual source for her work. She captures this conflict by exploring the emotive power of domestic objects and rituals that fix, organize, soothe and beautify our lives. Trained in ceramics, the artist works with porcelain and other materials often associated with traditional women’s work, such as textiles and hair, to discuss fragility, beauty, femininity, intersectionality, identity and personal history.
She holds an MFA in Artisanry from the University of Massachusetts Dartmouth and a BFA in Crafts from Kent State University. She has received grants from the Artist Foundation of San Antonio, travel grant from Artpace, and the Linda Lighton International Artist Exchange Program to research porcelain clay as a conceptual material. She was awarded a residency through the Blue Star Contemporary Art Museum to conduct her studio practice at the Künstlerhaus Bethanien in Berlin, Germany and has participated in residencies at the Pottery Workshop in Jingdezhen, China, Vermont Studio Center, and the European Ceramic Work Center in the Netherlands. In 2017, she received the Emerging Voices award from the American Craft Council. Currently residing in San Antonio, Texas, where she is a Professor of Art at the Southwest School of Art. On Inauguration Day 2017, she opened the Porcelain Power Factory, a 4-year body of work that reclaims the past lives of objects to raise the social awareness of causes that we need to fight for.
Photo credit: Mark Menjivar

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Curador

Deborah Willis

New York, New York, USA

Deborah Willis, Ph.D, is University Professor and Chair of the Department of Photography & Imaging at the Tisch School of the Arts at New York University and has an affiliated appointment with the College of Arts and Sciences, Department of Social & Cultural Analysis, Africana Studies, where she teaches courses on Photography & Imaging, iconicity, and cultural histories visualizing the black body, women, and gender. Her research examines photography’s multifaceted histories, visual culture, the photographic history of Slavery and Emancipation; contemporary women photographers and beauty. She received the John D. and Catherine T. MacArthur Fellowship and a John Simon Guggenheim Fellowship. Willis is the author of Posing Beauty: African American Images from the 1890s to the Present; and co-author of The Black Female Body A Photographic History; Envisioning Emancipation: Black Americans and the End of Slavery; and Michelle Obama: The First Lady in Photographs (both titles a NAACP Image Award Winner). Professor Willis’s curated exhibitions include: “In Pursuit of Beauty” at Express Newark; “Let Your Motto Be Resistance: African American Portraits” at the International Center of Photography and “Reframing Beauty: Intimate Moments” at Indiana University. Since 2006 she has co-organized thematic conferences exploring imaging the black body in the West such as the conference titled Black Portraiture[s] which was held in Johannesburg in 2016. She has appeared and consulted on media projects including documentary films such as Through A Lens Darkly and Question Bridge: Black Males, a transmedia project, which received the ICP Infinity Award 2015, and American Photography, PBS Documentary.

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