HASTA LA LIBERACIÓN TOTAL

Sama Alshaibi

En residencia: Ene 23 – Mar 25, 2019

Exposición: Mar 21 – May 20, 2019


Cuéntame sobre el título de tu exposición.

«Hasta la Liberación Total» es un eslogan a menudo usado en el área revolucionaria de la política palestina, y se le ve en varios pósters de la Organización para la Liberación de Palestina. A lo largo de los últimos 100 años más o menos, mujeres de Medio Oriente en fotografías, postales, noticiarios, y otras imágenes promueven la idea de una lucha muy singular contra la opresión patriarcal. Estas representaciones y su estrecho enfoque de ningún modo cubren la complejidad y diversidad de la experiencia de Medio Oriente, mucho menos la experiencia femenina. Las mujeres de Medio Oriente no solamente cargan con el peso de la representación, sino que también luchan actualmente con problemas de acceso, seguridad, desplazamiento, movilidad socioeconómica, y en pocas palabras, derechos humanos. El título refuerza la noción de que hasta que, como pueblo, tengamos los mismos derechos que nuestras contrapartes en el Occidente, nunca seremos verdadera y completamente libres. También proporciona un momento interseccional al referirse a la experiencia femenina universal en general.movilidad socioeconómica, y en pocas palabras, derechos humanos. El título refuerza la noción de que hasta que, como pueblo, tengamos los mismos derechos que nuestras contrapartes en el Occidente, nunca seremos verdadera y completamente libres. También proporciona un momento interseccional al referirse a la experiencia femenina universal en general.

¿Qué quieres que el público saque de tu exposición?

Históricamente, las mujeres del Medio Oriente y del Norte de África fueron retratadas desde la perspectiva occidental como exóticas, tentadoras, o el «otro», haciéndolas objetos de deseo pero también de repulsión. Presentándome a mí misma como la protagonista, las fotografías evocan fotografías de la era colonial e imágenes contemporáneas popularizadas a través de los medios, pero finalmente actúan como una intervención artística desde la perspectiva una mujer palestina iraquí. La representación de esclavas, el harén del sultán, el mashrabiya (un elemento arquitectónico árabe de hogares, también conocido equivocadamente como una «ventana de harén» en inglés), shishas y jarros de agua forman parte de una estrategia nada ambigua de escenificar alteridad.

Apropiando rushes de cine (tomas sin editar) hechas entre 1935 y 1955 por el Pathé británico, el video trata del período durante el cual el cine noticiario era popular en el Occidente. Sus representaciones de las mujeres del Medio Oriente y sus estilos de vida son reformuladas para magnificar la naturaleza problemática de sus reportajes. Estos rushes están entretejidos con grabaciones de mí misma como una fuente humana viviente en la tradición de la escultura viviente como fuente, a menudo hallada en los espacios públicos o las glorietas.

Todas las obras en esta exposición hacen referencia a la presentación y representación de las mujeres, algunas de manera más directa, como aquellas en el espacio del estudio, y algunas se refieren a una ausencia, como es el caso de la escultura en el techo. La escultura está afuera, en el espacio público, igual que la icónica fuente a la que se asemeja, Kahramana de Mohammed Ghani Hikmat en Bagdad, Irak. La fuente retrata una escena de Alí Babá y los 40 Ladrones, en donde una astuta esclava (Marjanah) burla a los 40 ladrones, reflejando el ingenio y autosuficiencia de las mujeres, aún en situaciones de peligro. La escultura aquí en el techo de Artpace está materialmente separada del resto de la exposición, y por lo tanto, desplazada. La silueta llama la atención a la invisibilidad de las mujeres iraquíes que han desaparecido o sido asesinadas desde el año 2003.

Por último, estoy enfrentando nuestra historia de imágenes a través de un lente feminista y postcolonial. El proyecto es una crítica implícita de la explotación social generada a lo largo de un siglo, irrumpiendo el paradigma mediante una estrategia de asignar poder a través del cuerpo femenino y la narración de su escenario.

AGRADECIMIENTOS

Mohammed Ghani Hikmat; Patrick Kay, Cruz Ortiz & Lenzy Mora / Snakehawk Press; Aaron Coleman; Mark Menjivar; Khulood Badawi; Carlton Bradford; Janet Flohr & Gary Nichols / Hare and Hound Press; Ray Lynch / King of Neon; Jennifer Ling Datchuk; Roshini Kempadoo; Dr. Deborah Willis; Arab Fund for Arts and Culture; Anthony Rundblade; Michael Foerster; Charles Kitchen; Chris Castillo; Leticia Rocha-Zivadinovic; Riley Robinson; Conor Fitzgerald; Zakiriya Gladney; Mahmood Gladney; Marvin Gladney; Michael Fadel; Maha Cantelo; Rose Tadaro; University of Arizona; Imane Saliba & Nadine Saliba; Alex Turner; Brian Ganter; and Ayyam Gallery.

Artista

Sama Alshaibi

Tucson, Arizona, USA

Sama Alshaibi (b. Basra, Iraq, 1973), is a multi-media artist who employs the use of photography, video/object hybrids, and installation. Alshaibi’s practice explores spaces of conflict, post-war and migration to tease out issues of citizenship and power. Frequently featuring herself as a protagonist within her works she applies the body as an allegorical device to investigate geographical metaphors that exist between spaces of political and social oppression. Alshaibi’s monograph, Sama Alshaibi: Sand Rushes In (New York: Aperture, 2015) presents her Silsila series, which probes the human dimensions of migration, borders, and environmental demise. Silsila was exhibited at the 55th Venice Biennale (Venice, 2013), the Honolulu Biennale (Hawaii, 2017), Marta Herford Museum (Germany, 2017), and the Qalandia International Biennial (Haifa, 2016). Her 15 solo exhibitions include Silsila (Johnson Museum of Art at Cornell University, NY, 2017 and Scottsdale Museum of Contemporary Art, Arizona, 2016), Collapse (Ayyam Gallery, Dubai, 2015), and Sand Rushes In (Ayyam Gallery, London, 2015).
Alshaibi is Professor and Co-Chair of Photography, Video & Imaging at University of Arizona, Tucson, where she was granted the title “1885 Distinguished Scholar”. She received a Visual Arts Grant by the Arab Fund for Arts and Culture in 2017, the Arizona Commission on the Arts “Visual Arts Grant” in 2018 and was awarded a Fulbright Scholar Fellowship (2014-2015) as part of a residency at the Palestine Museum in Ramallah.
Her group exhibitions include Tucson Museum of Art (Arizona), CCS Bard Hessel Museum & Galleries (Bard College, NY), Museum De Wieger (Netherlands), the 2014 FotoFest International Biennial (Houston and Abu Dhabi), and the Museum of Contemporary Art (Denver). Her video artworks and films have screened in numerous film festivals internationally. Her works have been collected by public institutions and collectors internationally. She has been featured in Art Asia Pacific, NY Times, Ibraaz, Bluin Artinfo, Contemporary Practices, Harpar’s Bazaar, The Guardian, CNN, Huffington Post and Hysteria. She received a MFA in Photography, Video, and Media Arts from the University of Colorado at Boulder (2005).
Alshaibi is represented by Ayyam Gallery in Dubai, UAE.
Photo courtesy of the artist

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Curador

Deborah Willis

New York, New York, USA

Deborah Willis, Ph.D, is University Professor and Chair of the Department of Photography & Imaging at the Tisch School of the Arts at New York University and has an affiliated appointment with the College of Arts and Sciences, Department of Social & Cultural Analysis, Africana Studies, where she teaches courses on Photography & Imaging, iconicity, and cultural histories visualizing the black body, women, and gender. Her research examines photography’s multifaceted histories, visual culture, the photographic history of Slavery and Emancipation; contemporary women photographers and beauty. She received the John D. and Catherine T. MacArthur Fellowship and a John Simon Guggenheim Fellowship. Willis is the author of Posing Beauty: African American Images from the 1890s to the Present; and co-author of The Black Female Body A Photographic History; Envisioning Emancipation: Black Americans and the End of Slavery; and Michelle Obama: The First Lady in Photographs (both titles a NAACP Image Award Winner). Professor Willis’s curated exhibitions include: “In Pursuit of Beauty” at Express Newark; “Let Your Motto Be Resistance: African American Portraits” at the International Center of Photography and “Reframing Beauty: Intimate Moments” at Indiana University. Since 2006 she has co-organized thematic conferences exploring imaging the black body in the West such as the conference titled Black Portraiture[s] which was held in Johannesburg in 2016. She has appeared and consulted on media projects including documentary films such as Through A Lens Darkly and Question Bridge: Black Males, a transmedia project, which received the ICP Infinity Award 2015, and American Photography, PBS Documentary.

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