A partir de reflexiones personales y observaciones culturales, el trabajo de Joseph Daun tiene como objetivo activar al espectador, frustrar la apreciación pasiva a través de la estimulación conceptual y cinestésica. Si bien las definiciones tradicionales del arte excluyen la posibilidad de la función, Daun lo llama para reconfigurar al espectador como participante. Subvirtiendo su propia metodología, Daun instaló una obra titulada Función en la galería de la sala de conferencias de ArtPace en la primavera de 1995. Detrás de las puertas de vidrio cerradas con llave había una pila de cajas de embalaje de madera que simulaban discretamente la trastienda de cualquier galería o museo. La única pista de su naturaleza fraudulenta fue la inserción de paneles delgados de chapa que brillaban con una luz suave desde el interior de las cajas. Identificar el cuadro como arte (cajas electrificadas con rectángulos brillantes) o no (colocación aleatoria de cajas detrás de puertas cerradas en una institución de arte) involucró al espectador en un juego duchampiano de contradicciones.
El tema de Daun es lo mundano. Es, y quiero evitar el desdén, algo que todo el mundo puede entender. Mediante la fabricación de fantasías comunes, nuestros miedos y deseos se materializan, desenmascaran y ponen al descubierto. Los voluminosos y mecánicos cascos de Daun, que gruñen y hacen ruido en aparente resistencia a sus destructivas tareas, manifiestan las frustraciones de la sociedad postindustrial. La máquina para romper placas y la pieza de perforación de piso (ambas de 1994) se caracterizan por el ingenio de baja tecnología de los artilugios de Rube Goldberg. Un alma gemela es el artista suizo Jean Tinguely, cuyas máquinas de pintar metamáticas de 1958-59 y el autodestructivo Homage to New York (1960) se basan en el «uso funcional del azar». Daun también reconoce a Beanery (1965) de Ed Kienholz como la inspiración para su propia Diner Piece (1994). Simulando el ambiente agradable de una cafetería, este cuadro proporcionó a los participantes cabinas en las que sentarse, tomar un café y conversar. Una cinta transportadora de doce metros de largo llevó las tazas usadas del visitante hasta su desaparición estrepitosa al final de la cinta.
La residencia de Daun en ArtPace investiga los efectos recuperadores del consumo a través de la historia evolutiva de la preparación y almacenamiento de alimentos. La máquina para hacer panecillos , que hornea masa transportada del congelador al horno en una cinta transportadora y luego la arroja al piso, imita la producción industrial de alimentos en panaderías y fábricas de pan. La comida rápida postindustrial es el contenido literal de Cheeseburger Piece , un frasco desecador lleno de hamburguesas de McDonald’s, mientras que los dibujos en las paredes del amasado de la masa y una ilustración de neón del almacenamiento subterráneo de zanahorias en un sótano de raíz a pequeña escala evocan una nostalgia. por el pasado agrario. Con sus estantes de frascos de vidrio brillante que contienen encurtidos, zanahorias, remolachas y colinabos, The Last Painting evoca recuerdos del sabor de los alimentos de cosecha propia y concursos de conservas en las ferias del condado. Su elaborado marco dorado y su escudo de plexiglás impiden la satisfacción del consumo: un aplazamiento del gusto de lo culinario a lo estético, que se ve facilitado por el formalismo sereno y seductor de la obra. En cambio, se invita al visitante a comer los resultados cálidos y sabrosos de la máquina para hacer panecillos o las tostadas de la tostadora sobre una mesa de desayuno del artista Henry Stein. Estimulando todos los sentidos, la exposición de Daun fomenta el partimiento del pan como símbolo de camaradería, comunidad y continuidad.
-Frances Colpitt
