Mel Ziegler

Mel Ziegler

Exposición: Dic 9, 1999 – Ene 16, 2000


 

Personal Read, una de las dos obras de Mel Ziegler en Artpace, es un remolque de camión de plataforma plana de cuarenta pies que transporta casi 100 lámparas de pie encendidas y con cables. Objetos encontrados que Ziegler adquirió en San Antonio, las lámparas irradian una luz cálida, abigarrada y enriquecida por los colores de sus globos y sombras. También son formas físicas idiosincrásicas, que componen un coro de estilos: imitaciones nostálgicas de velas y lámparas a base de aceite que preceden a la red eléctrica, cerámica bulbosa de los años 50, elegantes tramos de acero inoxidable modernista. Algunos son bajos, otros altos, algunos elegantes, otros hogareños. Vistos en grupo, adquieren presencia antropomórfica, convirtiéndose en una multitud de personalidades. Además, trazan décadas de historia: las historias de la domesticidad y el diseño.

En Artpace, Personal Read tiene una doble rareza: las lámparas de pie rara vez se colocan en un remolque de plataforma, y un remolque de plataforma rara vez se encuentra en una galería. Humana en escala, amigable en forma y función, las lámparas chocan contra la masiva fisicalidad del tráiler, que a través de su ubicación en la propia galería invita a la mirada que usamos para el arte. Resulta, como era de esperar, tener su propia integridad bruta. También apunta a otro aspecto de la lectura personal: una noche al final del programa, Ziegler planea estacionar el tráiler fuera del gran monumento histórico de San Antonio, el Álamo, y fotografiarlo allí. Al aire libre, el remolque parecerá más en casa y más cercano a los potenciales que encarna: movilidad, fuerza, velocidad, fugacidad, la carretera.

El trabajo de Ziegler y sus colaboraciones con su difunta esposa, Kate Ericson, median entre la vida privada y las preocupaciones públicas, entre la estética personal y el mundo social. Blancos MoMA (1990), por ejemplo, una fila de frascos de pintura en tonos de blanco sutilmente diferentes, los tonos preferidos por diferentes curadores para las paredes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, indexa simultáneamente el arte de la pintura consagrado por el tiempo, el más reciente principio estético de repetición en serie, y el espacio de la galería modernista (el «cubo blanco»), al tiempo que sugiere que todo esto no es suficiente, que al mirar el arte, también se necesita un sentido de la red de organización y burocracia, y de idiosincrasia burocrática, que proporciona el escenario del arte. La lectura personal , de manera similar, invoca no solo la vida privada del hogar, sino también el entorno social circundante. El Álamo, la misión y el fuerte que Davy Crockett y Jim Bowie murieron para defender contra los soldados mexicanos en 1836, a menudo se llama el lugar de nacimiento de Texas. Un monumento en la vida pública del estado, se encuentra en el centro de una gran mitología política. También es, señala Ziegler, “un ícono de la industria turística de San Antonio” y está iluminado teatralmente por la noche con una luz blanca dura. Yuxtaponiendo esta luz con la cálida luz de las lámparas, que significan “un espacio completamente diferente en el que opera la iluminación”, Ziegler pone lo público contra lo privado, la historia cargada contra el hogar.

En términos artísticos, el tráiler de plataforma es una forma descomunal de tarima, o pedestal escultórico, y quizás una referencia ingeniosa a lo que Leo Steinberg llamó el «plano de imagen de superficie plana» de Robert Rauschenberg. También es un remolque de plataforma y Ziegler ha usado uno antes. En 1984, para una pieza llamada Instant Landscape , estacionó un tráiler que sostenía ochenta enebros vivos en una calle de Nueva York durante un mes, un bosque temporal, sin esperar a crecer. Raising Capital , en Varsovia en 1991, fue un remolque plantado con un huerto. Viene y va, en 1998 en Cleveland, fue la primera de estas obras en usar la luz: cinco farolas estaban en un remolque estacionado en un vecindario que alguna vez fue industrial y que se había movido de lujo, por lo que la ciudad estaba reemplazando las farolas existentes por otras más elegantes: réplicas históricas , que Ziegler colocó en su camioneta. En Cleveland, dice Ziegler, la plataforma dio a conocer «este envase para el consumidor de la historia del sitio». En El Álamo, cuestiona amablemente una narrativa pública muy comprometida al sugerir que “nada es estático. La historia siempre tiene fallas, porque proviene de una ideología particular, no importa cuál. Pero las cosas pueden moverse de un lugar a otro, no siempre son iguales. Siempre existe la posibilidad de la alteración instantánea de un lugar. Puedes levantarte y cambiar las cosas «.

El otro trabajo de Ziegler en San Antonio, Taking Measure , fue un evento de una noche (también fotografiado) que lo colocó solo en las oficinas del Frost Bank, en un rascacielos visible desde Artpace, durante la inauguración de la exhibición. Aquí, Ziegler instaló un tablero electrónico de visualización de tiempo y temperatura en la ventana de una sala de conferencias en el piso veintiuno. El termómetro de la tabla corrió no hacia el aire exterior sino hacia el cuerpo de Ziegler. San Antonio se calienta en verano y la temperatura exterior es una información significativa para todos los ciudadanos; Mientras conducía por la ciudad, Ziegler vio muchas placas de tiempo y temperatura, que los bancos, las tiendas, cualquier negocio ansioso por llamar la atención habían colocado en todas partes, es decir, en todas partes que parecían prósperas. Cuanto más pobre era el vecindario, menos tablas de tiempo y temperatura encontró Ziegler. En el cuerpo humano, la temperatura es una medida de salud; una tabla de tiempo y temperatura puede ser una medida de la salud de un lugar.

En Taking Measure , Ziegler sugirió esta correlación reemplazando la temperatura exterior por la suya propia. Al mismo tiempo, al igual que hace en Personal Read , puso algo personal en un espacio público. El uno es un lector electrónico en lo alto de un edificio de oficinas corporativas, pero vinculado al interior del cuerpo humano, el otro un pequeño ejército de frágiles objetos antropomórficos, ambas obras tienen una peculiar combinación de afirmación y fragilidad, oratoria e intimidad. Y cada uno a su manera afirma la calidad conmemorativa de la luz.

-David Frankel

Todas las citas de Mel Ziegler son de conversaciones con el autor en diciembre de 1999.

Artista

Mel Ziegler

Austin, Texas, USA

Austin-based Mel Ziegler was born in Campbelltown. PA in 1956.  He received his BFA from the Kansas City Art Institute and his MFA in sculpture from CalArts. From the late 1970s until her death in 1995, Ziegler collaborated with his partner, Kate Ericson. Their projects created new vocabularies for making art in public spaces, by involving community, examining history and responding to specific sites.
The works or Ericson and Ziegler have been exhibited in a range of venues, including the Museum of Modern Art, New York, NY; The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Real Art Ways, Hartford, CT; and Capp Street Project, San Francisco, CA. Their works were included in the 1989 Whitney Biennial; the 1991 “Places With A Past” public art component at the Spoleto Festival in Charleston, SC; Sculpture Chicago’s 1993 “Culture in Action” project; and the 1999 Museum of Modern Art exhibit, “The Museum is Muse.”
The public nature of Ziegler’s work continues the themes and forms established with Ericson over the course of their collaboration. Sites and histories are methodically researched, as in the case of Camouflaged History for the Spoleto Festival, in which a house was painted in a camouflage pattern in 72 paint colors designated as the “authentic colors of historic Charleston” by the Charleston Historic Society. Projects generally involved public space: in San Francisco, the artists inscribed roofing shingles with San Francisco’s street names and then re-roofed a neighborhood house with the transformed materials.

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Curadores

Amada Cruz

Los Angeles, CA
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Kellie Jones

New York, NY
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Nancy Rubins

Topanga, California, USA

Born in 1952 in Naples, Texas, Californian Nancy Rubins received her MFA from the University of California, Davis. She has had numerous solo exhibitions, including shows at Paul Kasmin Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and the Venice Biennale Aperto. Rubins’ work was included in the 1995 Whitney Biennial and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles’ Helter Skelter exhibit in 1992. Rubins teaches at the University of California, Los Angeles’ Art Department. She has received grants from the Rockefeller Foundation, the Tiffany Foundation, and the National Endowment for the Arts.

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Annette DiMeo Carlozzi

Austin, TX
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Dan Cameron

Newport Beach, California

From 2012 to 2015 he was Chief Curator at the Orange County Museum of Art in Newport Beach, California. In 2006, Dan Cameron founded the Biennial Prospect New Orleans, where he worked at until 2011. From 1995 to 2005 he was Senior Curator at the New Museum, New York, where he developed numerous group exhibitions, such as East Village USA and Living inside the Grid, and several individual shows dedicated to the artists Martin Wong, William Kentridge, Carolee Schneemann, Carroll Dunham, Doris Salcedo, José Antonio Hernández Diez, among others.
As independent curator he has organized many exhibitions that brought him international attention, such as El arte y su doble (Fundación Caixa, Madrid, 1987); El jardín salvaje (Fundación Caixa, Barcelona, 1991); Cocido y crudo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1995), among many others. In 2003, he was the Artistic Director of the 8th Istanbul Biennial, and in 2006, Co-curator of the 5th Taipei Biennial.
He has published hundreds of texts in books, catalogues and magazines, and has given numerous talks and conferences at museums and universities around the world, also carrying out an important teaching activity in New York.

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Hans Ulrich Obrist

London, England

Hans Ulrich-Obrist is the Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of International Projects at the Serpentine Gallery in London, positions created for Ulrich-Obrist in April 2006. As a curator at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France since 2000, among many other exhibitions he organized solo shows with Jonas Mekas (2003), Anri Sala (2004), and Cerith Wyn Evans (2006). Before this position Ulrich-Obrist was an independent curator for a decade, organizing the group show Take Me I’m Yours at the Serpentine (1995) and Retrace Your Steps: Remember at the John Soane Museum (1999), also in London, England. Ulrich-Obrist was a panelist in 1998 for the 1999-2000 year of artists, and was invited to be a speaker at the 2003 symposium, but was unable to come due to illness.
Photo by Dominik Gigler

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