Mona Hatoum

Mona Hatoum

Exposición: Jun 10 – Jul 18, 1999


Continuando con su investigación en curso sobre las tensiones emocionales activadas por y a través de las propiedades físicas, Mona Hatoum presenta tres nuevas obras escultóricas que hacen paradójica la sensación de seguridad asociada con la estabilidad y problematizan la sensación de comodidad implícita en la noción de hogar.

Como gran parte de su producción, estas nuevas piezas se basan en distorsiones de escala por su eficacia e intensidad dramática. Hatoum utiliza el aumento y la multiplicación para revelar lo que el ojo no puede ver literalmente o para aumentar el significado y expandir las posibilidades de lo que es reconocible en la vida cotidiana pero que, sin embargo, pasa desapercibido o descuidado cognitivamente. Corps étranger (1994), por ejemplo, una de sus obras más conocidas y exhibidas hasta la fecha, presenta una ampliación de un viaje endoscópico a través de su cuerpo. En otra pieza anterior, Look No Body! (1981), amplificó los sonidos naturales de los latidos de su corazón y su estómago. Para obras como Jardin Public (1993) y Recollection (1995), acumuló y transformó escultóricamente mechones sueltos de su cabello, resituando así los detritos diarios intrascendentes del cuerpo humano en una posición (artística) que puede reclamar atención. Su proceso de escalar, acumular, repetir y amplificar, aunque practicado a menudo (especialmente en su trabajo de la década de 1980) a lo largo de los parámetros físicos de su propio cuerpo, no se limita a eso. En muchas de sus instalaciones más ambiciosas de la década de 1990, la artista ha trabajado con materiales y formas menos aparentemente subjetivos, como el acero inoxidable, el vidrio y la malla de alambre, que a menudo se utilizan junto con la electricidad para producir sonido y luz.

La repetición mimética constituye un tropo estilístico dominante del minimalismo de los años 60, que, junto con el arte escénico, proporciona la gramática visual y la sintaxis dentro de la cual Mona Hatoum ha modelado su propio lenguaje. La persistencia de la repetición, como proceso y materialización formal, utilizada por Hanne Darboven, Donald Judd, Agnes Martin, Sol Le Witt y otros artistas involucrados en el desarrollo del minimalismo durante la década de 1960, es re-navegada por Hatoum a través de lo más subjetivo y teatral. posibilidades introducidas en las primeras obras de Performance de Marina Abramovic, Vito Acconci, Chris Burden, Valie Export, Rebecca Horn, Orlan, Adrian Piper y otros que ampliaron el vocabulario del arte conceptual para incorporar la representación literal del propio cuerpo del artista como sujeto y el objeto de la obra de arte.

Los códigos visuales dominantes del minimalismo – simetría formal y semejanza, ausencia o reducción del color, predilección por los materiales de construcción industrial como el metal, la roca, la madera y el hormigón – son aceptados por Hatoum, incluso cuando evita el intento del minimalismo de eliminar representación icónica. Al igual que otros artistas de su generación que alcanzaron la mayoría de edad durante y justo después de la asimilación relativamente rápida del minimalismo en el circuito de los museos y el canon histórico del arte durante la década de 1970 (Hatoum nació en Beirut en 1952 y recibió su educación en bellas artes en Londres), Hatoum se acerca la retórica del minimalismo desde una posición a la vez imbuida de respeto e irreverencia. Al igual que Felix González-Torres, Cady Noland, Janine Antoni, Rachel Whiteread y otros practicantes contemporáneos de la década de 1990, Hatoum utiliza las formas codificadas del minimalismo ya determinadas como receptáculos dentro de los cuales colocar «algo más». Respetando la pureza formal de la simplicidad visual del minimalismo y su necesidad escultórica, la artista abraza a los inquilinos subjetivos y directamente referenciales defendidos por Performance Art para permitirse jugar con el fuego que el minimalismo más buscaba apagar: se entrega un poco al teatro.

Dos de las tres obras presentadas para New Works: 99.2 en ArtPace amplían una narrativa visual continua del confinamiento que Hatoum ha presentado en trabajos anteriores que también hacen referencia directa a jaulas y camas: Short Space (1992); Sentencia ligera (1992); Silencio (1994); Quarters (1996); Primer paso (1996); Disturbio actual (1996); y Divan Bed (1996). La tercera instalación, Home (1999), presenta utensilios de cocina de acero inoxidable colocados sobre una mesa industrial, resaltados por focos en cada utensilio y representados amenazadoramente a través del sonido (una amplificación de la corriente eléctrica), así como su ubicación en barricadas detrás de una pared de alambres de acero.

Las jaulas presentadas en las obras Isolette, una edición de tres contenedores circulares de aluminio y acero galvanizado situados en el suelo, y Untitled (Baalbeck Birdcage), una jaula de tamaño humano que parece una casa, son reproducciones de jaulas de pájaros que la artista obtuvo durante sus viajes. . Los pequeños, magnificados por Hatoum cinco veces su tamaño original, se extraen de una jaula que Hatoum encontró en Egipto, cuya función cotidiana es transportar aves vendibles al mercado. La jaula más grande presentada como Sin título (Baalbeck Birdcage), agrandada diez veces sus dimensiones iniciales, se basa en una jaula del Líbano utilizada para albergar aves como mascotas domésticas.

Con la jaula de pájaros Baalbeck Hatoum sintetiza dos de las formas más discernibles extraídas de la última década de su trabajo: la jaula y la cama. Parecida, como hacen muchas jaulas de pájaros domésticos, al marco de una simple casa o refugio humano, la escala de Baalbeck Birdcage limita la ‘casa’ a una habitación, que el artista ha comparado con una celda de prisión y también se asemeja a un doble cama confinada entre rejas. Aunque las tres obras presentadas en ArtPace están situadas por el artista como piezas separadas, su yuxtaposición dentro de la galería produce una narrativa reconocible de lo doméstico familiar. La jaula grande, con su sugerencia de cama doble, sustituye al dormitorio de los padres, mientras que las jaulas pequeñas escondidas en otro rincón de la galería aluden a habitaciones reservadas para niños. En otra pared, los utensilios de cocina barricados y amenazantes sugieren, sí, una cocina. La reducción de la «casa» en un dormitorio «principal», cuarto para niños y cocina ilustra, poéticamente y con tensa reticencia, las habitaciones en las que trabajan las mujeres empleadas como esposas. A pesar de la armonía formal y la simetría poética de la instalación de Hatoum, el «hogar» que presenta no es ni cómodo ni bonito.

Los críticos e historiadores del arte anteriores han optado con mayor frecuencia por enfatizar los orígenes nacionales, religiosos y étnicos de la preocupación de Hatoum por los límites, las fronteras y la contención, una lectura dictada por las obras anteriores de Hatoum, que tratan directamente los problemas políticos de Oriente Medio, como está sobredeterminado por la autobiografía de Hatoum: el nacimiento de la artista en una familia palestina en Beirut y su ‘escape’ fortuito de la guerra civil del Líbano en 1975. En estos tres nuevos trabajos de 1999, sin embargo, una interpretación elaborada de acuerdo con una comprensión de las fronteras nacionalizadas se subordina a la referencia más directa de la instalación a los límites políticos y sociales que dictan la división por género del trabajo psíquico, sexual y de otro tipo en la tradición heterosexual. familia o ‘hogar’.

-Laura Cottingham

Laura Cottingham es una crítica de arte que vive en la ciudad de Nueva York.

Artista

Mona Hatoum

London, England

Born in 1952 in Beirut, Lebanon, Hatoum lives and works in London, England. She studied at the Beirut University College, the Byam Shaw School of Art and The Slade School of Art in London. Since the early 1980s, Hatoum has exhibited extensively, including solo exhibitions and performances at Franklin Furnace, New York; Western Front Art Centre, Vancouver, Canada; The Arnolfini Gallery, Bristol, England; Centre Georges Pompidou, Paris, France; The Fabric Workshop, Philadelphia, PA; Capp Street Project, San Francisco, CA; De Appel, Amsterdam, The Netherlands; White Cube, London, England; and Alexander & Bonin, New York, where she is represented. In 1997 a major solo exhibition was held at the Museum of Contemporary Art in Chicago and The New Museum for Contemporary Art in New York. She has been included in a number of major international exhibitions: Sense and Sensibility, The Museum of Modern Art, New York; Cocido y Crudo, Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; the 1994 Havana Biennale, Cuba; the 1995 Venice Biennale, Italy; ARS 95, Helsinki, Finland; as well as the Turner Prize exhibition at the Tate Gallery, London, England.
Mona Hatoum’s work is both deeply personal and quietly political, investigating her individual and cultural relationships with contemporary social injustices. Grounded in feminism and with a sensitive global approach, she has employed minimalist tools to present formal and social concerns, examining issues of subjectivity, emotional space and the human body. Using metaphor and poetry, found material and fabricated objects, her evocative works offer viewers their own experience as they read and contemplate her enigmatic expressions. Her work has taken many forms, ranging from performance and video to sculpture and installation.

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Curadores

Amada Cruz

Los Angeles, CA
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Kellie Jones

New York, NY
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Nancy Rubins

Topanga, California, USA

Born in 1952 in Naples, Texas, Californian Nancy Rubins received her MFA from the University of California, Davis. She has had numerous solo exhibitions, including shows at Paul Kasmin Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and the Venice Biennale Aperto. Rubins’ work was included in the 1995 Whitney Biennial and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles’ Helter Skelter exhibit in 1992. Rubins teaches at the University of California, Los Angeles’ Art Department. She has received grants from the Rockefeller Foundation, the Tiffany Foundation, and the National Endowment for the Arts.

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Annette DiMeo Carlozzi

Austin, TX

Independent curator Annette DiMeo Carlozzi has built an expansive practice across the US as a curator of modern and contemporary art, focusing on ideas and experiences, artists and audiences. Raised in Boston and trained at the Walker Art Center, she has served in a variety of foundational roles: as the first curator at Laguna Gloria Art Museum (now The Contemporary Austin); executive director of the Aspen Art Museum and the Contemporary Arts Center, New Orleans; Visual Arts Producer for the 1996 Olympic Games in Atlanta; and in multiple positions—ranging from founding modern and contemporary curator to Deputy Director for Art and Programs to Curator at Large—at the Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin. Committed to expanding the canon, she has created notable exhibitions (Luis Jiménez, Paul Chan, Michael Smith, Deborah Hay, Negotiating Small TruthsAmerica/AmericasDesire), produced important commissions (Nancy Holt, Siah Armajani, Betye Saar, Vito Acconci, Byron Kim, Teresita Fernández), and acquired major works by a wide range of international artists. Carlozzi has had a long relationship with Artpace, having served as an early advisor, artist interviewer, and program panelist, member of the 1998 artist selection panel and 2001–03 Board of Visitors. In 2015 she curated Immersed from Linda Pace’s art collection, now called Ruby City.

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Dan Cameron

Newport Beach, California

From 2012 to 2015 he was Chief Curator at the Orange County Museum of Art in Newport Beach, California. In 2006, Dan Cameron founded the Biennial Prospect New Orleans, where he worked at until 2011. From 1995 to 2005 he was Senior Curator at the New Museum, New York, where he developed numerous group exhibitions, such as East Village USA and Living inside the Grid, and several individual shows dedicated to the artists Martin Wong, William Kentridge, Carolee Schneemann, Carroll Dunham, Doris Salcedo, José Antonio Hernández Diez, among others.
As independent curator he has organized many exhibitions that brought him international attention, such as El arte y su doble (Fundación Caixa, Madrid, 1987); El jardín salvaje (Fundación Caixa, Barcelona, 1991); Cocido y crudo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1995), among many others. In 2003, he was the Artistic Director of the 8th Istanbul Biennial, and in 2006, Co-curator of the 5th Taipei Biennial.
He has published hundreds of texts in books, catalogues and magazines, and has given numerous talks and conferences at museums and universities around the world, also carrying out an important teaching activity in New York.

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Hans Ulrich Obrist

London, England

Hans Ulrich-Obrist is the Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of International Projects at the Serpentine Gallery in London, positions created for Ulrich-Obrist in April 2006. As a curator at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France since 2000, among many other exhibitions he organized solo shows with Jonas Mekas (2003), Anri Sala (2004), and Cerith Wyn Evans (2006). Before this position Ulrich-Obrist was an independent curator for a decade, organizing the group show Take Me I’m Yours at the Serpentine (1995) and Retrace Your Steps: Remember at the John Soane Museum (1999), also in London, England. Ulrich-Obrist was a panelist in 1998 for the 1999-2000 year of artists, and was invited to be a speaker at the 2003 symposium, but was unable to come due to illness.
Photo by Dominik Gigler

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