Weight of Culture

Adam Helms

En residencia: Sep 16 – Nov 17, 2014

Exposición: Nov 13, 2014 – Ene 18, 2015


¿Por qué decidiste construir muros y dividir la galería en tres espacios simétricos?
Inicialmente yo sabía que quería utilizar la arquitectura existente de la galería para crear espacios separados para la obra, e intentar guiar al espectador alrededor de las paredes en cualquiera de las dos direcciones, de modo que las obras en papel estuvieran ocultas tan pronto como se entrara en el espacio. La pared de dos caras permitió una experiencia particular de color puro y minimalismo, ya que cada lado alterno tiene una buena dosis de imágenes en blanco y negro para digerir. Además, hay una relación formal a la materialidad de la madera a las obras en papel (fotograbados, fotopolímeros y las obras en gouache), a cada lado de la galería. Como la obra en esta exhibición es en muchos sentidos una serie de símbolos y referencias, las asociaciones entre todas las piezas empiezan a tener conexiones dentro de la exhibición y rebotan entre ellas mismas.

¿Por qué usaste este esquema de colores específico a lo largo de la exposición?
Los colores que uso son el prisma estándar utilizado en Technicolor. Ya que gran parte de las imágenes a las que hago referencia son de la historia de la televisión y el cine, he empezado a utilizar este esquema de color como una especie de indicador en sí mismo dentro del conjunto mis obras en este momento. Los lados de la galería con sólo la madera pura (y patrones de madera) son la ausencia de este indicador — un tipo diferente de zona psicológica. Y estas zonas son donde las imágenes empiezan a se interrelacionarse como conjuntos de narrativas. Así que estos colores son tanto un dispositivo simbólico como una estrategia conceptual de separación.

¿Cómo funcionan estas obras basadas en imágenes en términos de narrativa?
Las piezas con base en imágenes — los fotograbados — están inspiradas a partir de un historiador de arte Aby Warburg (1886-1929), quien ideó una visión de la historia del arte basada en la exhibición de imágenes de temas repetidos que vio en las obras de la antigüedad y el Renacimiento. Se centró en un tema en particular, el patetismo y trauma en esculturas, grabados y pinturas de este período en particular. Llamó a estos «Campos de patetismo.» En esta forma ‘Warburgiana’, me enfoco en mi material con una pose similar. Aunque para mí, los materiales culturales de los que extraigo son más amplios y de una variedad de periodos. Pero lo más importante, es que estoy interesado en cómo el espectador estará inclinado a extraer las narrativas dentro de cada uno de mis propios campos de patetismo. Y no hay narrativas específicas que estoy tratando de crear, sólo el impulso del espectador de posiblemente buscar una por sí mismo. De esta manera cada imagen, o una serie de imágenes, puede llevar un cierto ‘peso’ a la relación que el espectador trae a la galería.

¿Cómo te relacionas personalmente a estas imágenes que utilizas?
Las imágenes proceden de un archivo de imágenes que se amplía continuamente. Se encuentran en Internet, a partir de imágenes fijas de películas, escáneres y materiales hallados. La mayoría de ellos — y muchos de los que conforman esta muestra de trabajo en Artpace — son de películas, libros y materiales que tienen un significado para mí. Una es una imagen de la Saga de La Cosa del Pantano, que solía leer en mi juventud. Otras son de películas que son importantes para mí. Otras imágenes tienen una importancia simbólica sobre temas en los que me pongo a pensar y aplico a mi experiencia o relación con el mundo. Hay vínculos emocionales y narrativas que me llevan a hacer los ensambles particulares de materiales e imágenes que uso, pero también veo la obra como el tener más de una autonomía para deshacerlo después de que se realiza. Hay una visión del mundo o ideología que tal vez inconscientemente me impulsa — un impulso que se ha convertido en parte de mi práctica de utilizar — que unifica toda la obra en una exposición. El proceso en sí mismo de clasificar a través del archivo y la creación de la obra es la parte más interesante para mí; el significado de las piezas individuales puede cambiar para mí con el tiempo.

Artista

Adam Helms

New York, New York, USA

Adam Helms, a self-described artist-as-ethnographer, explores the psychology and iconography of radical politics and subcultures. Using a variety of media—ranging from photography, drawing, sculpture, and found images—the New York-based artist engages the viewer with archetypal representations of identity, symbolism and history. His previous awards and residencies include the Pollock-Krasner Foundation Grant NY, NY (2010), the Chinati Foundation Marfa, TX (2007), the Rema Hort Mann Foundation Visual Art Grant Award NY, NY (2006), the Louis Comfort Tiffany Foundation Award NY, NY (2005), and the Robert Schoelkopf Traveling Fellowship New Haven, CT (2003).

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Curador

Mika Yoshitake

Washington, DC

Mika Yoshitake is Curator at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C. At the Hirshhorn, she has curated Yayoi Kusama: Infinity Mirrors (2017), Shana Lutker: Le ‘NEW’ Monocle, Chapters 1-3 (2015-16), Le Onde: Waves of Italian Influence (2015), Days of Endless Time (with Kelly Gordon), Speculative Forms, and Gravity’s Edge (all 2014); Sitebound: Photography from the Collection and Dark Matters (with Melissa Ho in 2012), and coordinated Ai Weiwei: Trace at Hirshhorn (2017), Damage Control: Art and Destruction Since 1950 (2013) and Ai Weiwei: According to What? (2012). A specialist on postwar Japanese art, Mika earned her M.A. and Ph.D. in Art History from UCLA, which culminated in the AICA-USA award-winning exhibition and book, Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha (2012). From 2010-2011, she served as the curatorial liaison for the Guggenheim’s Lee Ufan retrospective, and was the project coordinator of Takashi Murakami retrospective at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles from 2005-2009. She has published in Artforum, Art in America, and Exposure and in numerous exhibition catalogues including Yayoi Kusama: Infinity Mirrors (Hirshhorn, 2017), Kishio Suga: Situations (Hangar Bicocca Pirelli, 2016), Kishio Suga (Vangi Sculpture Garden Museum, 2015), Carl Andre: Sculpture as Place (Dia Art Foundation, 2014); Tokyo 1955–1970: A New Avant-garde (MoMA, 2012); Lee Ufan: Marking Infinity (Guggenheim, 2011); Target Practice: Painting Under Attack, 1949–78 (Seattle Art Museum, 2009); and © MURAKAMI (MOCA, 2007).949–78 (Seattle Art Museum, 2009); and © MURAKAMI (MOCA, 2007).

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