Quietud

Laura Aguilar

Exposición: Jun 10 – Jul 18, 1999


Para la serie de autorretratos Stillness, producida durante su estadía de dos meses en San Antonio, Laura Aguilar navega por el paisaje emocional y representativo de su cuerpo físico; la sintaxis pictórica que informa la producción y recepción de su imagen; las posibilidades espirituales que existen dentro y con la naturaleza; y el potencial seductor y la belleza particular de la fotografía clásica en blanco y negro.

Estas fotografías son maravillosamente inquietantes. Participan en una especie de grotesco moderado extraído y alentador de una estética de reverencia. Reverencia por los misterios de la naturaleza, reverencia por los misterios del yo, reverencia por la comunión contemplativa que se encuentra en la sublime unificación de ambos. La artista ha logrado una especie de inmanencia radiante mediante la fusión de ella misma (a veces con otra mujer) con el intenso paisaje del suroeste de Texas: la tierra de tierra desértica, los troncos nudosos e imponentes del Cypress, el elegante drapeado de ornamentados y ramas de árboles colgantes, la autoridad escultórica única de las formaciones rocosas y rocosas, las delicadas olas de la maleza de mezquite y la hierba Johnson, las aguas fangosas de los desesperados arroyos locales y los ríos delgados, y el horizonte vacío y la infinitud de lo expansivo y siempre voluble Cielo de Texas. Dentro de este paisaje mágico, exótico para todos menos para sus habitantes nativos, la artista se ha colocado donde uno podría esperar o esperar ver un correcaminos, un coyote o un ciervo.

La artista es consciente de los contornos poco convencionales que constituyen los parámetros de su cuerpo físico: es grande, su torso envuelto en pliegues de grasa no muy diferente de los nudosos salientes en los tocones de los cipreses con los que aparece en imágenes como Stillness # 22 y Quietud # 23. Mientras que los fotógrafos de retratos anteriores que han echado un vistazo a la diversa gama de apariencias físicas humanas a menudo han elegido, como Diane Arbus y Joel Peter-Witkin, centrarse en la rareza de sus sujetos, Aguilar naturaliza a sus sujetos. En este sentido, el objetivo y el proceso de su retrato fotográfico, incluido su autorretrato, constituye una decidida desviación del de tantos de sus contemporáneos. A diferencia de Nan Goldin, Cindy Sherman o Cathie Opie, a ella no le interesa capturar o exagerar a los llamados perversos; más bien Aguilar se adhiere a una estética más clásica.

Su fascinación por los contrastes tonales y la claridad formal posible en la fotografía en blanco y negro deriva de los paisajes y naturalezas muertas producidos por la primera ola de fotógrafos estadounidenses que exigían que el medio fotográfico fuera capaz de transformarse en arte; está especialmente en deuda con los paisajes icónicos del oeste americano de Ansel Adam y las preciosas representaciones de conchas marinas, pimientos morrones y otros pequeños obsequios de la naturaleza de Edward Weston. Aunque sus exploraciones en el autorretrato comenzaron en 1990, su utilización de la naturaleza como telón de fondo y guía intuitiva es más reciente y se ha inspirado directamente en la fotógrafa Judy Dater, con quien Aguilar estudió por primera vez en 1988 y que sigue siendo amiga y mentora. En 1996, Aguilar realizó un autorretrato de la naturaleza de sí misma colocada detrás de tres pequeños cantos rodados en el desierto de California, su cuerpo desnudo configurado en posición fetal con el torso y la cara, como en muchos de sus autorretratos, de espaldas a ambos. cámara y la mirada del espectador. Inspirada por las exploraciones fotográficas anteriores de Dater con la desnudez y la naturaleza, Aguilar tituló su imagen de 1996 Her Spirit Moves Me, A Homage to Judy Dater. Durante los últimos cuatro años, Aguilar ha seguido trabajando en un proceso que implica ponerse desnuda dentro de un paisaje natural y sigue un procedimiento intuitivo que busca alinear su respuesta al entorno inmediato con la de su cámara.

Aunque la artista se preocupa principalmente por el ímpetu espiritual y emocional de su práctica, su despliegue particular del desnudo femenino se alinea con consideraciones más conscientemente críticas de la representación de la mujer, especialmente ‘el desnudo’, en la historia del arte y la cultura popular, como primera prioridad. desarrollado por Carol Duncan, Lucy Lippard, Laura Mulvey, Linda Nochlin, Griselda Pollock y otras críticas feministas a principios de la década de 1970. La tradición pictórica dominante de ‘el desnudo’, un género que se supone que connota la representación del cuerpo femenino, fue criticada rigurosamente por artistas y teóricas feministas de la segunda ola por su establecimiento de códigos pictóricos que se alinean con los inquilinos políticos del patriarcado y delinean a la mujer. cuerpo como objeto de acceso sexual para los espectadores y consumidores masculinos.

Situarse dentro de la naturaleza (un escenario, a diferencia de los que aparecen en la pintura de finales del siglo XIX o en las reproducciones fotográficas de mujeres desnudas de principios del siglo XX, que no se pueden confundir con un burdel), posicionar su cuerpo de acuerdo con posturas y gestos que sugieren reposo y la satisfacción y el desvío de la mirada del espectador se encuentran entre los códigos estilísticos que emplea Aguilar, que sitúan su sistema de representación fuera y en oposición a las imágenes objetivantes de las mujeres. La aparición ocasional de otra mujer desnuda con ella, como en Stillness # 15, Stillness # 26, Stillness # 27 (que presenta a una mujer inclinada en decúbito supino sobre la espalda del artista) y Stillness # 28, elimina aún más su iconografía de un Asunción del desempeño sexual femenino para los hombres. Desnudo y con la naturaleza, Aguilar quiere estar con mujeres. Instaladas en ArtPace en el centro de San Antonio, estas imágenes adquieren un comentario político particular con respecto a la historia local. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un área no lejos de la fundación de arte, en un vecindario delimitado por Durango Street en el sur y Market Street en el norte, mantenía una de las redes institucionalizadas más grandes de mujeres prostituidas en los Estados Unidos. Según un historiador local, los burdeles «Clase A» en lo que San Antonio llamó su «Distrito Deportivo», estaban decorados con «pinturas de desnudos», así como mesas de basura, ruedas de ruleta y cortinas de terciopelo. (1)

-Laura Cottingham

Laura Cottingham es una crítica de arte que vive en la ciudad de Nueva York.

(1) Mark Louis Rybczyk, San Antonio descubierto (Plano, Texas: Wordware, 1992), 20.

Artista

Laura Aguilar

Rosemead, California, USA

Born in 1959 in San Gabriel, CA, Aguilar lives and works in Rosemead, CA, outside of Los Angeles. She has studied photography at East Los Angeles Community College and has participated in the Santa Fe Photographic Workshops. She has received grants from Art Matters Inc., LACE, the California Arts Council and Lightworks. She has had a number of solo exhibitions at venues including the Los Angeles Photography Center, CA; LACE, Los Angeles, CA; Highways Performance Space, Santa Monica, CA; Zone Gallery, Newcastle upon Tyne, England; and the Fundacio la Caixa, Barcelona, Spain. Her work has been included in many group exhibitions, including Sunshine et Noir: Art in L.A. at the Louisiana Museum of Modern Art, Denmark; Sexual Politics: Judy Chicago’s “Dinner Party” In Feminist Art History at the Armand Hammer Museum, Los Angeles, CA; In a Different Light at the University of California, Berkeley; and Bad Girls at the New Museum of Contemporary Art, New York. She also participated in the Aperto Section of the 1993 Venice Biennale.
Photographer Laura Aguilar has investigated portraiture since she emerged in the late 1980s. Her stark black-and-white photographs document subjects whose images and stories are under-represented in mainstream culture—people of color, gays and lesbians and large people. Her portraits are known for their collaborative sensibility—the subjects are encouraged to investigate and negotiate with the artist from both sides of the lens. In the late 1990s, Aguilar turned the camera on herself, making dramatic nude self-portraits in which her body is contrasted with the rough terrain of the desert landscape and in which the body and landscape become one. The works continue her efforts to challenge societal assumptions about beauty, offering an alternative to the airbrushed, artificial depictions of women generatSpring 2020 Hudson Showroom Exhibitor
Spring 2020 Main Space Exhibitored by advertising and media.

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Curadores

Amada Cruz

Los Angeles, CA
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Kellie Jones

New York, NY
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Nancy Rubins

Topanga, California, USA

Born in 1952 in Naples, Texas, Californian Nancy Rubins received her MFA from the University of California, Davis. She has had numerous solo exhibitions, including shows at Paul Kasmin Gallery, The Museum of Modern Art, New York, and the Venice Biennale Aperto. Rubins’ work was included in the 1995 Whitney Biennial and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles’ Helter Skelter exhibit in 1992. Rubins teaches at the University of California, Los Angeles’ Art Department. She has received grants from the Rockefeller Foundation, the Tiffany Foundation, and the National Endowment for the Arts.

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Annette DiMeo Carlozzi

Austin, TX

Independent curator Annette DiMeo Carlozzi has built an expansive practice across the US as a curator of modern and contemporary art, focusing on ideas and experiences, artists and audiences. Raised in Boston and trained at the Walker Art Center, she has served in a variety of foundational roles: as the first curator at Laguna Gloria Art Museum (now The Contemporary Austin); executive director of the Aspen Art Museum and the Contemporary Arts Center, New Orleans; Visual Arts Producer for the 1996 Olympic Games in Atlanta; and in multiple positions—ranging from founding modern and contemporary curator to Deputy Director for Art and Programs to Curator at Large—at the Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin. Committed to expanding the canon, she has created notable exhibitions (Luis Jiménez, Paul Chan, Michael Smith, Deborah Hay, Negotiating Small TruthsAmerica/AmericasDesire), produced important commissions (Nancy Holt, Siah Armajani, Betye Saar, Vito Acconci, Byron Kim, Teresita Fernández), and acquired major works by a wide range of international artists. Carlozzi has had a long relationship with Artpace, having served as an early advisor, artist interviewer, and program panelist, member of the 1998 artist selection panel and 2001–03 Board of Visitors. In 2015 she curated Immersed from Linda Pace’s art collection, now called Ruby City.

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Dan Cameron

Newport Beach, California

From 2012 to 2015 he was Chief Curator at the Orange County Museum of Art in Newport Beach, California. In 2006, Dan Cameron founded the Biennial Prospect New Orleans, where he worked at until 2011. From 1995 to 2005 he was Senior Curator at the New Museum, New York, where he developed numerous group exhibitions, such as East Village USA and Living inside the Grid, and several individual shows dedicated to the artists Martin Wong, William Kentridge, Carolee Schneemann, Carroll Dunham, Doris Salcedo, José Antonio Hernández Diez, among others.
As independent curator he has organized many exhibitions that brought him international attention, such as El arte y su doble (Fundación Caixa, Madrid, 1987); El jardín salvaje (Fundación Caixa, Barcelona, 1991); Cocido y crudo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1995), among many others. In 2003, he was the Artistic Director of the 8th Istanbul Biennial, and in 2006, Co-curator of the 5th Taipei Biennial.
He has published hundreds of texts in books, catalogues and magazines, and has given numerous talks and conferences at museums and universities around the world, also carrying out an important teaching activity in New York.

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Hans Ulrich Obrist

London, England

Hans Ulrich-Obrist is the Co-Director of Exhibitions and Programs and Director of International Projects at the Serpentine Gallery in London, positions created for Ulrich-Obrist in April 2006. As a curator at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France since 2000, among many other exhibitions he organized solo shows with Jonas Mekas (2003), Anri Sala (2004), and Cerith Wyn Evans (2006). Before this position Ulrich-Obrist was an independent curator for a decade, organizing the group show Take Me I’m Yours at the Serpentine (1995) and Retrace Your Steps: Remember at the John Soane Museum (1999), also in London, England. Ulrich-Obrist was a panelist in 1998 for the 1999-2000 year of artists, and was invited to be a speaker at the 2003 symposium, but was unable to come due to illness.
Photo by Dominik Gigler

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