©Laura Agu50 x 30 inches50 x 30 inchesDigital printLaura Aguilar
©Laura Agu
Para la serie de autorretratos Stillness, producida durante su estadía de dos meses en San Antonio, Laura Aguilar navega por el paisaje emocional y representativo de su cuerpo físico; la sintaxis pictórica que informa la producción y recepción de su imagen; las posibilidades espirituales que existen dentro y con la naturaleza; y el potencial seductor y la belleza particular de la fotografía clásica en blanco y negro.
Estas fotografías son maravillosamente inquietantes. Participan en una especie de grotesco moderado extraído y alentador de una estética de reverencia. Reverencia por los misterios de la naturaleza, reverencia por los misterios del yo, reverencia por la comunión contemplativa que se encuentra en la sublime unificación de ambos. La artista ha logrado una especie de inmanencia radiante mediante la fusión de ella misma (a veces con otra mujer) con el intenso paisaje del suroeste de Texas: la tierra de tierra desértica, los troncos nudosos e imponentes del Cypress, el elegante drapeado de ornamentados y ramas de árboles colgantes, la autoridad escultórica única de las formaciones rocosas y rocosas, las delicadas olas de la maleza de mezquite y la hierba Johnson, las aguas fangosas de los desesperados arroyos locales y los ríos delgados, y el horizonte vacío y la infinitud de lo expansivo y siempre voluble Cielo de Texas. Dentro de este paisaje mágico, exótico para todos menos para sus habitantes nativos, la artista se ha colocado donde uno podría esperar o esperar ver un correcaminos, un coyote o un ciervo.
La artista es consciente de los contornos poco convencionales que constituyen los parámetros de su cuerpo físico: es grande, su torso envuelto en pliegues de grasa no muy diferente de los nudosos salientes en los tocones de los cipreses con los que aparece en imágenes como Stillness # 22 y Quietud # 23. Mientras que los fotógrafos de retratos anteriores que han echado un vistazo a la diversa gama de apariencias físicas humanas a menudo han elegido, como Diane Arbus y Joel Peter-Witkin, centrarse en la rareza de sus sujetos, Aguilar naturaliza a sus sujetos. En este sentido, el objetivo y el proceso de su retrato fotográfico, incluido su autorretrato, constituye una decidida desviación del de tantos de sus contemporáneos. A diferencia de Nan Goldin, Cindy Sherman o Cathie Opie, a ella no le interesa capturar o exagerar a los llamados perversos; más bien Aguilar se adhiere a una estética más clásica.
Su fascinación por los contrastes tonales y la claridad formal posible en la fotografía en blanco y negro deriva de los paisajes y naturalezas muertas producidos por la primera ola de fotógrafos estadounidenses que exigían que el medio fotográfico fuera capaz de transformarse en arte; está especialmente en deuda con los paisajes icónicos del oeste americano de Ansel Adam y las preciosas representaciones de conchas marinas, pimientos morrones y otros pequeños obsequios de la naturaleza de Edward Weston. Aunque sus exploraciones en el autorretrato comenzaron en 1990, su utilización de la naturaleza como telón de fondo y guía intuitiva es más reciente y se ha inspirado directamente en la fotógrafa Judy Dater, con quien Aguilar estudió por primera vez en 1988 y que sigue siendo amiga y mentora. En 1996, Aguilar realizó un autorretrato de la naturaleza de sí misma colocada detrás de tres pequeños cantos rodados en el desierto de California, su cuerpo desnudo configurado en posición fetal con el torso y la cara, como en muchos de sus autorretratos, de espaldas a ambos. cámara y la mirada del espectador. Inspirada por las exploraciones fotográficas anteriores de Dater con la desnudez y la naturaleza, Aguilar tituló su imagen de 1996 Her Spirit Moves Me, A Homage to Judy Dater. Durante los últimos cuatro años, Aguilar ha seguido trabajando en un proceso que implica ponerse desnuda dentro de un paisaje natural y sigue un procedimiento intuitivo que busca alinear su respuesta al entorno inmediato con la de su cámara.
Aunque la artista se preocupa principalmente por el ímpetu espiritual y emocional de su práctica, su despliegue particular del desnudo femenino se alinea con consideraciones más conscientemente críticas de la representación de la mujer, especialmente ‘el desnudo’, en la historia del arte y la cultura popular, como primera prioridad. desarrollado por Carol Duncan, Lucy Lippard, Laura Mulvey, Linda Nochlin, Griselda Pollock y otras críticas feministas a principios de la década de 1970. La tradición pictórica dominante de ‘el desnudo’, un género que se supone que connota la representación del cuerpo femenino, fue criticada rigurosamente por artistas y teóricas feministas de la segunda ola por su establecimiento de códigos pictóricos que se alinean con los inquilinos políticos del patriarcado y delinean a la mujer. cuerpo como objeto de acceso sexual para los espectadores y consumidores masculinos.
Situarse dentro de la naturaleza (un escenario, a diferencia de los que aparecen en la pintura de finales del siglo XIX o en las reproducciones fotográficas de mujeres desnudas de principios del siglo XX, que no se pueden confundir con un burdel), posicionar su cuerpo de acuerdo con posturas y gestos que sugieren reposo y la satisfacción y el desvío de la mirada del espectador se encuentran entre los códigos estilísticos que emplea Aguilar, que sitúan su sistema de representación fuera y en oposición a las imágenes objetivantes de las mujeres. La aparición ocasional de otra mujer desnuda con ella, como en Stillness # 15, Stillness # 26, Stillness # 27 (que presenta a una mujer inclinada en decúbito supino sobre la espalda del artista) y Stillness # 28, elimina aún más su iconografía de un Asunción del desempeño sexual femenino para los hombres. Desnudo y con la naturaleza, Aguilar quiere estar con mujeres. Instaladas en ArtPace en el centro de San Antonio, estas imágenes adquieren un comentario político particular con respecto a la historia local. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un área no lejos de la fundación de arte, en un vecindario delimitado por Durango Street en el sur y Market Street en el norte, mantenía una de las redes institucionalizadas más grandes de mujeres prostituidas en los Estados Unidos. Según un historiador local, los burdeles «Clase A» en lo que San Antonio llamó su «Distrito Deportivo», estaban decorados con «pinturas de desnudos», así como mesas de basura, ruedas de ruleta y cortinas de terciopelo. (1)
-Laura Cottingham
Laura Cottingham es una crítica de arte que vive en la ciudad de Nueva York.
(1) Mark Louis Rybczyk, San Antonio descubierto (Plano, Texas: Wordware, 1992), 20.
